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Un austríaco muy porteño

Miklin y Quinteto ArgentinaKarlheinz Miklin es austríaco, tiene 67 años y es doctor en historia y literatura, aunque sus mayores energías las destina a otras actividades. Saxofonista desde pequeño, supo hacerse un camino en el jazz cuando nadie sabía de qué se trataba esa música en su país.

Y, como no le alcanzaba con tocar ritmos ajenos a su cultura, decidió hacer algo aún más complejo: tocar latin jazz. Esto fue luego de conocer a un grupo de argentinos con los que aprendió mucho de nuestra tierra y del idioma (aunque asegura que lo hace como Tarzán). Hoy, 30 años después, convirtió en una costumbre salir de gira con su “Quinteto Argentina”.

Antes de la presentación que realizará junto a Gustavo Bergalli (trompeta), Marcelo Mayor (guitarra), Alejandro Herrera (contrabajo), Quintino Cinalli (batería) y Mario Gusso (percusión) en el Centro Cultural San Martín el próximo martes 2 de septiembre, Miklin se tomó unos minutos para contestar unas preguntas a Animales del Jazz.

¿Cuándo comenzó con la música y cómo fue que llegó al jazz?
Comencé con la música antes del primario. Mi padre era músico autodidacto bueno, y en mi casa había acordeones, bajo, guitarra. Mis primeras clases “oficiales” fueron a los 12 años en piano en el conservatorio Klagenfurt, cuando estaba en el secundario. A los 13 años empecé con un saxo que me presto un amigo de mi padre. A los 14 ya tocaba en los bailes (soy paisano, y en los pueblos a fines de los ‘50 y principio de las ‘60 se podían hacer…). No recuerdo como llegue al jazz, esta música casi no existía en ese tiempo.

¿Quiénes fueron sus referentes dentro del jazz?
El primer concierto al que fui en vivo fue “Papa Bue´s Viking Jazz Band” de Dinamarca. El dixieland formaba parte de la programación de música popular en la radio. Cuando empecé a estudiar mis referentes eran Dexter Gordon, Charles Lloyd y después John Coltrane y Miles Davis. Cuando tocaba con “Los Argentinos” me conectaron con músicos como Wayne Shorter y Joe Henderson que eran muy populares en este periodo (hablo de principio de los ’70). En mi opinión no hay saxofonistas con este súper nivel después de ellos dos. También tocamos free jazz en esa época.

Menciona a “Los Argentinos”, ¿en qué consistía este proyecto y quiénes lo integraban?
Para finales de 1970 de causalidad en un conjunto con cuatro argentinos que tocaban en Europa -música de baile- pero tres de ellos eran muy buenos músicos de jazz, mucho mejor que yo en ese tiempo. Eran “Gato” Zemma (piano y órgano), Hernán Sánchez Reinoso (guitarra y bajo) y Alberto Canonico (batería). Con ellos aprendí mucho más de la música que antes como estudiante. Toqué con ellos casi tres años, y volví a Graz (Austria) cuando nació mi segundo hijo (con el primero y su madre estuvimos de gira juntos y él toca actualmente la batería en mi trío)

¿Cómo surgió la idea de compartir escenario con músicos argentinos?
En 1984 ya era conocido como músico de jazz -había sido elegido como músico de los años 1983 y 1984- y recibí una invitación para venir a tocar en “Mar del Jazz”, donde tocaba entre otros con Kike Sanzol y Bucky Arcela. El gran “Nano” Herrera me escuchó y me presentó a los mejores músicos de jazz de esa época (Jorge Navarro, Jorge “Negro” González, Alfredo Remus y “Pocho” Lapouble, etc.) para que toquemos. Después de tocar con ellos una entrada en “Jazz y Pop”, se me ocurrió la idea de invitarlos a Austria. Como yo era el decano del “Departamento de Jazz” en Graz, les organicé una clínica allá y como yo ya era conocido, pude organizar una gira de tres semanas. Así vinieron en el otoño de 1984 e hicimos la gira con gran éxito, donde grabamos el primer disco, que en aquel momento era LP (“Pasando”).

La lista incluye a varios músicos de la talla de “Pocho” Lapouble, Ricardo Lew, Jorge Navarro, Jorge González, Alfredo Remus, Kike Sanzol, “Cacho” Tejera, Gustavo Bergalli, Francisco Rivero y Javier Malosetti, entre otros… ¿Existió un proceso de selección o fue afinidad con la forma de tocar de cada músico?
Como escribí antes, empecé con Navarro, Remus y Lapouble. En 1986 grabamos un disco en Buenos Aires (“Carlitos”). Allí conocí al percusionista “Cacho” Tejera y tocamos la siguiente gira en cuarteto. Desde ese momento nos dedicamos a latin Jazz. Antes tocábamos más o menos la mitad latin y el resto jazz “puro”. En 1989 pude invitar también a Ricardo Lew y, desde ese año, se convirtió en el “Quinteto Argentina”. Por supuesto cambiaron mucho los músicos. En 1990 tocaba con trompeta en vez de piano (Navarro y Lew no pudieron viajar mas, por el éxito de la “Banda Elástica”, así entró Gustavo Bergalli). Él está todavía en el grupo como Marcelo Mayor (guitarra) y Alejandro Herrera (bajo), que empezaron las giras en 1992 y tocaron en todas las giras después de ahí. Cuando falleció “Cacho” Tejera (la buena alma del conjunto) vino “Pocho” Porteño a una gira y, desde 2006, está Mario Gusso en la percusión. Después de la muerte de “Pocho” Lapouble tocó Luis Ceravolo, y ahora empezó a tocar Quintino Cinalli. La mayoría de los cambios no elegí hacerlos (soy un bandleader muy “fiel”, y no cambio mucho), sino que pasó por otras razones. Y por supuesto, al cambiar los músicos, también fue cambiando un poco la “onda” de lo que tocábamos.

¿Está en contacto con el ambiente local de jazz? ¿Qué agrupación o músico de la actualidad le gusta y recomendaría?
Lamentablemente no conozco mucho del ambiente local. En los años 90 tocaba con Horacio Larumbe o “Baby” López Furst, el “Negro” González... y conocí a músicos como “Fats” Fernández, Junior Cesari, Walter Malosetti… En este tiempo había muy pocos músicos jóvenes. Me alegra mucho que ahora se encuentren muchos músicos primer nivel. Por ejemplo, toque una vez con Oscar Giunta y escuchaba a algunos otros muy buenos. Tendría que estar más tiempo acá para conocer más, pero no me da…

¿Puede rescatar alguna anécdota de las giras realizadas por Europa con alguno de los grupos con los que se presentó a los diferentes eventos?
Bueno, hay anécdotas que no se pueden contar… No, sin broma, hay muchas, pero no hay lugar. En general tocar con este grupo fue siempre muy divertido para mí, es otra onda en muchos aspectos, el grupo tuve un éxito bárbaro y es muy conocido allá. En verdad, me cambiaron un poco, pero también yo los cambié a algunos de ellos un poco. Jorge Navarro me dijo, cuando escuchaba por primera vez el primer disco: “Esta música no existía antes, tocamos onda latin pero muy, muy libre, jazzístico y abierto y con tu voz se mezcla en algo nuevo”. Bueno, no está mal, si un músico de primera piensa así…

¿Cuáles eran las expectativas que tuvo al ser invitado al festival “Mar del Jazz” en 1984 y cuáles las que tiene ahora que celebra 30 años con este proyecto?
Cuando vine en 1984 tenía una expectativa completamente falsa de la Argentina, a pesar de haber tocado tres años con argentinos antes (medio lento se puede decir). Como eso pasó justo después de la época de los militares, todo el país estaba en el cielo, y esta alegría se me contagió completamente. Casi no quise volver. Me parece que es una de las razones más importantes por la que me dedique tanto a este país y sus músicos. Ahora ya pasaron 30 años, y por supuesto cambió mucho, pero conozco la ciudad y el ambiente más o menos. No obstante, siempre vuelvo con muchas ganas y la risa y la joda empieza desde el primer momento. Una buena razón, aparte de la música, para seguir con esto.

Recibió una distinción del Consejo Deliberante como “Visitante Ilustre de Mar del Plata y Esteban Echeverria”. ¿Qué representó ese premio para Usted?
Claro que eso representa mucho para mí, no es tan común recibir algo así en un país tan lejos de la patria. Recibí premios (awards) muy importantes en Austria, pero esto es otra cosa.

¿Cuáles son los planes de acá al futuro?
Por empezar, me voy a Santiago de Chile el miércoles antes de volver a casa. En el otoño sale un CD de una grabación que hice con el cantante mundial Mark Murphy en 1996, donde puso letras a dos temas míos y del excelente pianista Fritz Pauer. (“Shadows” Mark Murphy feat Karlheinz Miklin, Fritz Pauer, TCB 33802).
En marzo saldrá otro CD del trío que tengo con el suizo Heiri Kaenzig (en el trío tocó durante muchos años el gran Ron McClure) en contrabajo y la leyenda Billy Hart en la batería, uno de los mejores bateristas del mundo (elegido recientemente por la “Association of Jazz Journalists” como mejor baterista 2013, con toda razón). El CD se llamará “Encore” TCB (con Billy llevo 27 años de cooperación y muchos discos, es un privilegio para mi que le guste tocar conmigo durante tanto tiempo). Haremos una tour para presentarlo. En octubre haremos la gira con el “Quinteto Argentina” en Austria, Italia y Croacia. Después tocaré unos conciertos solo (hay un CD que grabé en una iglesia) y me esperan conciertos con mi “Double Trio” (dos bajistas y dos bateristas, muy divertido y fuerte). Toqué en South Africa hace dos meses e hice nuevas conexiones, por lo que parece que volveré, lo mismo que en Brasil, donde toqué con Sizao Machado (bajo) y Bob Wyatt (batería), con los que tengo la misma onda y queremos seguir. Y por supuesto la enseñanza (viene mi último año como profesor, lo voy a extrañar). Bueno, el viejito todavía está en la carrera.

Gonzalo Chicote
animalesdeljazz@hotmail.com

Llega a la Argentina Robben Ford, un sinónimo de blues y jazz

robben-ford-picJulio será un gran mes para el público aficionado del jazz y el blues. Ocurre que el eximio guitarrista Robben Ford realizará un tour por la Argentina entre el 18 y 22, que incluye tres conciertos y una Guitar Workshop.

El primer evento se realizará en el Teatro Auditorio del centro cultural rosarino “Plataforma Lavardén” (Mendoza 1085, Rosario – Santa Fe). Luego viajará a la Ciudad de Buenos Aires para actuar el 19 en el Teatro Coliseo.

La gira se completa con la presentación en Casino Magic de Neuquén (Teodoro Planas 4005) el 20 de julio y se cierra el 22 en la Capital Federal con la visita a la Escuela de Música de Buenos Aires (Ciudad de la Paz 1831), donde impartirá una Guitar Workshop.

Nacido en 1951 en California (Estados Unidos) e influenciado por una familia de músicos, inició su camino a través del saxofón. Sin embargo, a los 13 años decidió abandonarlo definitivamente y a cambiarlo por la guitarra.

Esto sucedió tras escuchar a dos integrantes de The Paul Butterfield Blues Band: Michael Bloomfield y Elvin Bishop. Pero también se alimentó de otros de la talla de Jimi Hendrix, Eric Clapton, Cream, Led Zeppelin, Albert King y BB King, entre otros.

Su interés por el jazz llegó de la mano de Paul Desmond y The Dave Brubeck Quartet. Luego llegaron otros como Ornette Coleman, Archie Shepp, Yusef Lateef, Roland Kirk, John Coltrane, Wayne Shorter y Miles Davis.

Las vueltas de la vida (y su talento, claro está) hicieron que el mismísimo Davis lo invitara para que forme parte de su orquesta. Corría el año 1986 y el famoso Festival de Montreux tuvo a estos dos monstruos arriba del escenario.

Pero sus colaboraciones no se quedaron allí. Por el contrario, tuvo el privilegio de tocar con otros grandes de la música como George Harrison, Bob Dylan, Dizzy Gillespie y John Scofield, entre muchos otros.

Mención aparte merece los Yellowjackets, aquella banda de jazz fusión que formó en la década del ’80 junto a Russell Ferrante (teclados), Jimmy Haslip (bajo) y Ricky Lawson (batería). La orquesta trascendió al mismo Ford, que sigue sonando pese al alejamiento del guitarrista.

The Inside Story fue uno de los discos que dio origen a esa agrupación. El material fue grabado en 1977 con gran parte de los músicos que luego formarían Yellowjackets, aunque figura como un disco en solitario.

En definitiva, con más de cuatro décadas de carrera y un sinfín de álbumes (entre propios y colaboraciones), el músico norteamericano se convierte en una excelente oportunidad para ver a uno de los mejores guitarristas del mundo.

Gonzalo Chicote
animalesdeljazz@hotmail.com

 

Bitches Brew: el primer acercamiento del jazz al rock

bitches-brewCorría el año 1969 y Miles Davis hacía lo de siempre: quería encontrar una nueva forma de ver la música. De interpretarla y crearla. En una palabra, el trompetista continuaba en su camino vanguardista.

Había quedado atrás “In a Silent Way” y el músico nacido en Alton (Illinois – Estados Unidos) quería ir más allá y, apenas unos meses después, estaba preparado -junto a parte de los músicos que lo acompañaron en aquél álbum- para arrancar un nuevo trabajo.

Esta vez, la idea era caminar por la senda del rock desde la senda del jazz. El producto de esta conjunción fue Bitches Brew, el primer disco que fusionó ambos géneros y que dio nacimiento a una nueva movida musical.

Por aquella época, Davis estaba con muy buenos ánimos y ya no cargaba con vicios. Había dejado atrás la bebida, las drogas y hasta dejó de comer carne. Sólo se alimentaba de vegetales y frutas. Y gozaba de un excelente estado físico, gracias al entrenamiento que realizaba junto al ex boxeador Bobby Allah.

Otra vez fue Columbia Records la encargada de llevar adelante las grabaciones y estuvo bajo la vigilancia del productor Teo Macero. Ian Carr dio cuenta en su libro “Miles Davis. La biografía definitiva” que una pelea entre Davis y Macero hizo que el proyecto corriera el riesgo de no terminarse.

Por suerte, la discusión disparó para otro lado: luego del primer registro, Miles tocó como nunca y sus acompañantes hicieron lo propio. Las diferencias entre productor y trompetista se pulieron luego.

Del anterior disco dejó a casi todos los músicos. Aunque introdujo algún cambio. Por ejemplo, la batería quedó en manos de Jack DeJohnette en reemplazo de Tony Williams. Este fue un cambio que trajo algo de alivio para el contrabandista Dave Holland que, según sus propias palabras, se sentía frustrado con Williams.

Pero además, contó con otros dos bateristas: Lenny White y Don Alias que tocaban en simultáneo. También hacían lo propio los pianistas Chick Corea junto a Joe Zawinul y a Larry Young. Se completaba la orquesta con Wayne Shorter (saxo), Bennie Maupin (clarinete), John McLaughlin (guitarra), Jim Riley (percusión) y Harvey Brooks (bajo eléctrico).

De aquellas sesiones -que iniciaron el 19 de abril y finalizaron dos días después- nacieron dos discos. El primero contuvo “Pharaoh’s Dance” y “Bitches Brew”, mientras que en el segundo contaba con “Spanish Key”, “John McLaughlin”, “Miles Runs the Voodoo Down” y “Sanctuary”.

Fue el primer paso que continuaron bandas estadounidenses como Return to Forever, Mahabvishnu Orchestra, Weather Report, The Eleventh House, por citar algunos ejemplos, y que se extendió a lo largo del globo.

Gonzalo Chicote
animalesdeljazz@hotmail.com

El jazz llegó a Harvard

herbie-hancock-2011-2-17-18-30-6Si bien el jazz tiene sus propias casas de estudio en diversos lugares del planeta, entre el 3 de febrero y el 31 de marzo tendrá una presentación especial en la prestigiosa Universidad de Harvard.

En efecto, la Cátedra de Poesía Charles Eliot Norton (que tuvo entre sus expositores a grandes como Igor Stravinsky o Jorge Luis Borges) tendrá como invitado al pianista Herbie Hancock que realizará varias charlas.

Entre los temas que abarcará, se encuentran “La sabiduría de Miles Davis”, “Romper las reglas”, “Diplomacia cultural y la voz de la libertad”, “Innovación y nuevas tecnologías”, “Budismo y creatividad” y “Hubo una vez”.

Las charlas tendrán como título “La ética del jazz” y, tal como ocurrió en otras oportunidades, podría convertirse en un libro donde se detalle cada una de las charlas que fuera expuesto por Hancock, tal como explicó Xavier Quirante del portal Milenio.com.

Al respecto, Homi Bhabha, director del Centro de Humanidades Mahindra de la casa de estudios de Cambridge, aseguró que “es un gran privilegio darle la bienvenida a Herbie Hancock como profesor Norton”.

Además, explicó a Milenio.com que “su contribución sin igual a la historia de la música ha revolucionado nuestro entendimiento sobre las formas en que las artes transforman nuestra conciencia cívica y nuestras aspiraciones espirituales”.

Y concluyó: “No sería exagerado decir que él ha definido la innovación cultural en cada década desde hace medio siglo”.

La cátedra, que tuvo su nacimiento en el año 1925, engloba un ciclo de conferencias en las que el invitado es conminado a utilizar el término poesía en su sentido más amplio y aplicarlo a otras artes.

Sin dudas, Hancock es uno de los músicos cuya imagen se asocia inmediatamente al jazz. Y no sólo porque es el embajador de buena voluntad de la UNESCO que promocionó y trabajó para que el género tenga su propio día, sino porque también estuvo en medio de aquellos músicos que hicieron grande a la música sincopada, como Miles Davis o Freddie Hubbard.

Pero también porque estuvo inmiscuido en potenciar las fusiones e hizo desarrollar el jazz a través de discos como Mwandishi o Head Hunters. Porque, desde su primera participación junto a Donald Byrd sabía que el género sincopado era lo suyo.

Y, debido a que continúa creciendo a través de álbumes como “The imagine project” (lanzado en 2010), en los que incluye músicos tan diversos como Juanes, Pink, Seal y a un viejo conocido: el saxofonista Wayne Shorter.

Gonzalo Chicote
animalesdeljazz@hotmail.com

La Argentina se prepara para escuchar Radiohead y Oasis en versión jazz

bradmehldau460Muchos son los músicos de jazz que se ven tentados a convertir temas de grandes canciones de rock en versión sincopada.

Uno de los que logró una buena unión fue Count Basie con los álbumes “Basie’s Beatle Bag” y “Count Basie on The Beatles”.

Pero la moda no quedó allí. Años después, Brad Mehldau decidió redoblar la apuesta y se animó a versionar, además de las canciones de la banda de Liverpool, temas de Radiohead y de Oasis.

El trío compuesto por Mehldau (piano), Larry Grenadier (bajo) y Jeff Ballard (batería) logró magnificar los clásicos de estas bandas inglesas en discos como “Brad Mehldau Trio Live” (Warner Music – 2006) o “Deregulatin Jazz” (Warner Music – 2000).

En la Argentina no son pocos los fanáticos que disfrutan del trío y ahora van a tener la suerte de poder verlo en vivo ya que se presentarán primero en la Fundación Astengo de Rosario (12 de junio) y luego en el Teatro Gran Rex (13 de junio) de la Ciudad de Buenos Aires.

En esta ocasión, Mehldau y su grupo presentan el disco “Where do you start”, que incluyen temas de Clifford Brown, Elvis Costello, Sonny Rollings y Chico Buarque. Además coincide con el lanzamiento de “Ode”, un álbum que incluye temas de jazz propios de la banda.

Un poco más sobre Mehldau
Brad Mehldau nació en Florida (Estados Unidos) el 23 de agosto de 1970 y desde los seis años se interesó por el piano.

Su primer contacto con el jazz llegó de la mano de un disco en vivo de John Coltrane, cuando había cumplido los 12 años. Incluso, su primera compra en las disquerías fue “Blue Train”.

No obstante, también reconoce la influencia en su música de los pianistas Keith Jarrett, Bud Powell y Thelonious Monk.

La carrera profesional de Mehldau comenzó en 1990. Sin embargo, su éxito comenzó a alimentarse cuando registró junto a su trío (compuesto por Grenadier y con Jorge Rossy en la batería) una serie de cinco discos titulada “The Art of the Trio” para el sello Warner Music.

Además de su trío y proyectos en solitario, Mehldau trabajó con artistas de la talla de Joshua Redman, Pat Metheny, Charlie Haden, Lee Konitz, Michael Brecker, Wayne Shorter, John Scofield y Charles Lloyd.

Fuera del jazz, también tocó con Willie Nelson y Joe Henry. Además, su música formó parte de la banda sonora de varias películas como “Eyes Wide Shut” y “Million Dollar Hotel”.

Gonzalo Chicote
animalesdeljazz@hotmail.com

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